Du Pré au Post-Impressionnisme en photographie.
Le mouvement Impressionniste en peinture et photographie.
L’Impressionnisme est un mouvement artistique apparu en France dans les années 1870. L’Impressionnisme se concentre sur les effets visuels et fugitifs de la lumière, tandis que le Post-Impressionnisme explore des approches plus variées, cherchant à exprimer des concepts plus profonds et à structurer les compositions de manière plus réfléchie.
Ces deux mouvements issus du Pré-Impressionnisme ont marqué un tournant majeur dans l’art moderne, ouvrant la voie à des explorations artistiques encore plus radicales au XXe siècle et au XXIe siècle.
1. Le Pré-Impressionnisme de Turner et son influence sur l'Impressionnisme.
Joseph Mallord William Turner (1775-1851), peintre anglais connu pour ses paysages marins et ses scènes atmosphériques, est souvent considéré comme un précurseur de l’Impressionnisme, bien qu’il ait travaillé plusieurs décennies avant l’apparition officielle du mouvement. Son style novateur, particulièrement dans ses dernières œuvres, a profondément influencé les peintres Impressionnistes du XIXe siècle.
1.1. L'Art de Turner : Lumière et Atmosphère
.La dissolution des formes dans la lumière et la couleur : dans ses œuvres, notamment ses paysages marins et ses scènes de tempêtes, Turner se concentre sur la façon dont la lumière interagit avec l’atmosphère et les éléments, souvent au détriment du détail des objets eux-mêmes. Par exemple, dans son célèbre tableau « Pluie, vapeur et vitesse » (1844), la locomotive semble presque fondre dans l’environnement brumeux, les détails étant secondaires par rapport à l’atmosphère générale.
. L’utilisation des couleurs vives et contrastées: Turner aimait expérimenter avec des couleurs vibrantes et non conventionnelles, souvent en juxtaposition, pour créer des effets de lumière dramatiques. Ces couleurs sont parfois appliquées d’une manière qui ressemble aux coups de pinceau audacieux des Impressionnistes, bien que son style soit plus fluide.
. Une approche émotionnelle et subjective du paysage: Contrairement aux artistes académiques qui cherchaient à représenter la nature de manière réaliste, Turner s’intéressait à l’effet émotionnel qu’une scène pouvait provoquer. Il ne cherchait pas à peindre une copie fidèle de la nature mais plutôt à capturer l’essence et l’atmosphère d’un moment fugace.
1.2. L'influence de Turner sur l'Impressionnisme
a. Monet et les effets atmosphériques : Claude Monet, l’un des principaux fondateurs de l’Impressionnisme, a été particulièrement influencé par les œuvres de Turner, qu’il a découvert lors de ses séjours à Londres. Monet a été inspiré par la manière dont Turner utilisait la lumière pour transformer les paysages en visions lumineuses et quasi-abstraites. Cela se reflète notamment dans les séries de Monet, telles que ses Nymphéas ou ses représentations de la cathédrale de Rouen, où la lumière et l’atmosphère changent selon les moments de la journée, capturant l’éphémère de chaque instant.
b. Coups de pinceau expressifs : Le travail de Turner, avec ses touches de peinture lâches et ses formes partiellement dissoutes dans des lavis de couleurs, préfigure le traitement Impressionniste de la surface de la toile. Les Impressionnistes, comme Turner avant eux, préféraient la suggestion à la précision, se concentrant sur l’impression générale que laisse une scène.
c. Expérimentation avec la lumière et la couleur : Turner, tout comme les Impressionnistes après lui, utilisait souvent des palettes éclatantes et contrastées pour explorer les jeux de lumière. Dans ses tableaux de coucher ou de lever de soleil, il réduisait parfois les formes à des masses de couleurs vibrantes, créant une atmosphère intense où la lumière semblait envelopper toute la scène.
2. Turner : un pont entre romantisme et modernité
Bien que Turner soit associé au romantisme, son travail le plus novateur, vers la fin de sa carrière, annonçait des développements qui deviendraient centraux dans l’Impressionnisme et les mouvements artistiques modernes. Il n’était pas seulement un observateur de la nature, mais un véritable créateur d’ambiances et de lumières, libérant la peinture des contraintes du réalisme détaillé.
Si l’Impressionnisme se concentre sur la capture de la lumière à un moment précis, Turner, dans ses œuvres tardives, allait encore plus loin, en créant des paysages où la lumière et l’atmosphère semblent engloutir le monde matériel. Cela a ouvert la voie à une peinture plus libre, plus expressive, et moins liée à la reproduction fidèle de la réalité.
J.M.W. Turner, bien qu’ayant vécu et travaillé bien avant l’avènement de l’Impressionnisme, peut être considéré comme un Pré-Impressionniste en raison de sa fascination pour la lumière, l’atmosphère et la couleur. Son travail novateur a anticipé des éléments clés de l’Impressionnisme, notamment le traitement des effets de lumière et la dissolution des formes dans l’atmosphère. Turner a ainsi jeté les bases d’une révolution artistique qui allait culminer avec l’apparition de l’Impressionnisme dans les années 1870.
3. L'Impressionnisme.
Leur style se caractérise par :
• Coups de pinceau visibles et rapides : Les artistes utilisaient des touches de peinture courtes pour capturer les effets éphémères de la lumière.
• Couleurs vives et non mélangées : ils évitaient les mélanges lisses, préférant poser les couleurs côte à côte pour que l’œil du spectateur les combine visuellement.
• Peinture en plein air : les Impressionnistes peignaient souvent à l’extérieur (en plein air) pour saisir les effets naturels de la lumière et de l’atmosphère.
• Rejet de la perspective académique : l’accent n’était pas mis sur la précision du dessin ou la perspective stricte, mais plutôt sur la sensation d’une scène.
Les principaux représentants de ce mouvement incluent Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro et Alfred Sisley. Ces artistes ont souvent été ridiculisés par les critiques contemporains mais sont aujourd’hui considérés comme révolutionnaires pour leur approche novatrice de la peinture.
4. Le Post-Impressionnisme
Le Post-Impressionnisme désigne un groupe d’artistes qui, tout en étant influencés par l’Impressionnisme, ont cherché à aller au-delà de ses limites à partir des années 1880. Le terme « Post-Impressionnisme » a été inventé par le critique d’art britannique Roger Fry en 1910 pour désigner les œuvres de ces artistes, dont les styles variés et individuels ne pouvaient pas être classés sous une seule étiquette.
Les Post-Impressionnistes cherchaient à explorer des concepts plus profonds que la simple représentation de la lumière et de la couleur. Leur travail est souvent plus émotionnel, symbolique ou stylisé, marquant une évolution vers des mouvements ultérieurs comme le Symbolisme, le Fauvisme et l’Expressionnisme.
Voici quelques caractéristiques du Post-Impressionnisme :
• Exploration de la forme et de la structure : Contrairement aux Impressionnistes qui dissolvaient les formes dans la lumière, les Post-Impressionnistes réaffirmaient la solidité des objets.
• Expression subjective : Ils mettaient l’accent sur l’expression personnelle et l’émotion, souvent à travers des choix de couleurs vives et non naturalistes.
• Techniques variées : Certains, comme Paul Cézanne, cherchaient à structurer leurs compositions avec des formes géométriques sous-jacentes, tandis que d’autres, comme Georges Seurat, utilisaient des techniques scientifiques comme le pointillisme.
• Symbolisme et émotion : Les artistes comme Vincent van Gogh et Paul Gauguin introduisaient des éléments émotionnels et symboliques dans leurs œuvres, utilisant des couleurs et des compositions dramatiques pour exprimer leurs sentiments intérieurs.
Les artistes majeurs du Post-Impressionnisme incluent Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Paul Gauguin et Georges Seurat.
5. Différences entre l'Impressionnisme et le Post-Impressionnisme.
Bien que les deux mouvements partagent des racines communes, ils diffèrent principalement dans leur approche :
- L’Impressionnisme est centré sur la capture de l’instant, de la lumière et de l’atmosphère, tandis que le Post-Impressionnisme met davantage l’accent sur l’expression personnelle et la structure formelle.
- Les couleurs et les coups de pinceau Impressionnistes sont plus spontanés, alors que les Post-Impressionnistes introduisent souvent des approches plus réfléchies, utilisant parfois des méthodes scientifiques (comme le pointillisme de Seurat).
Ces deux mouvements ont profondément influencé l’histoire de l’art et ouvert la voie à l’art moderne, encourageant l’expérimentation et l’expression individuelle.
6. L'Impressionnisme et le Post-Impressionnisme en photographie.
Bien que l’Impressionnisme et le Post-Impressionnisme soient des mouvements artistiques principalement associés à la peinture, leurs principes esthétiques ont également influencé la photographie, en particulier avec l’émergence du pictorialisme, un mouvement photographique des années 1880 aux années 1920. Le pictorialisme cherchait à élever la photographie au rang d’art en s’éloignant de la simple documentation visuelle pour adopter une approche plus artistique et subjective.
L’esthétique Impressionniste s’est reflétée en photographie avec une volonté de capturer non seulement la réalité telle qu’elle est, mais aussi des effets atmosphériques, de lumière et d’émotion. Les photographes influencés par l’Impressionnisme utilisaient différentes techniques pour rendre leurs images plus « picturales », notamment :
- Effets de flou : pour imiter les coups de pinceau impressionnistes, les photographes utilisaient des techniques de flou délibéré, que ce soit par des objectifs spéciaux, des filtres ou un léger mouvement pendant l’exposition, créant ainsi des images plus douces et moins détaillées, rappelant les scènes floues et lumineuses des peintres impressionnistes.
- Jeu de lumière naturelle : comme les peintres Impressionnistes qui peignaient souvent en plein air pour capturer les effets de la lumière, les photographes impressionnistes accordaient une attention particulière aux changements de lumière naturelle. Ils utilisaient la lumière du matin ou du soir pour ajouter des nuances subtiles et atmosphériques à leurs images.
- Scènes de la vie quotidienne : les photographes Impressionnistes, tout comme les peintres, privilégiaient les scènes de la vie courante, des paysages naturels ou urbains, et les moments fugaces de l’existence, cherchant à capturer la beauté simple de l’instant.
Des photographes comme Alfred Stieglitz, Edward Steichen, et Robert Demachy ont adopté des approches Impressionnistes en photographie, produisant des images empreintes de subtilité et d’émotion, souvent en noir et blanc, où la lumière et le flou jouaient des rôles essentiels.
7. Le Post-Impressionnisme en photographie
• Techniques d’expérimentation : Les photographes Post-Impressionnistes ont exploré des techniques plus complexes comme la double exposition, le collage ou des traitements chimiques, cherchant à modifier ou enrichir la réalité photographiée. Ils voulaient dépasser la simple représentation pour atteindre un symbolisme ou une abstraction.
• Exploration des émotions : Comme Vincent van Gogh et Paul Gauguin dans la peinture, les photographes influencés par le Post-Impressionnisme visaient à capturer des émotions profondes ou des états intérieurs. Cela se traduisait par des images plus dramatiques, où le sujet était souvent un prétexte pour exprimer une vision personnelle ou un ressenti émotionnel.
• Composition réfléchie : Contrairement à l’Impressionnisme, qui se concentrait sur la spontanéité, le Post-Impressionnisme en photographie donnait une importance primordiale à la structure de l’image, jouant avec la géométrie, les lignes et la symétrie, comme l’a fait Paul Cézanne dans ses œuvres picturales.
Des photographes comme Clarence H. White et Gustave Le Gray ont illustré cette recherche Post-Impressionniste en photographie, où chaque image était soigneusement composée pour suggérer des significations au-delà du sujet visible.
8. L’influence des trois mouvements sur la photographie moderne.
Le Pré-Impressionnisme, l’Impressionnisme et le Post-Impressionnisme en photographie ont contribué à l’idée que la photographie peut être un medium artistique à part entière, et pas seulement un outil de documentation. Ils ont inspiré de nouvelles formes de manipulation des images, ouvrant la voie à des mouvements photographiques modernes tels que le surréalisme, le minimalisme, et l’expressionnisme. Aujourd’hui, la photographie contemporaine continue de s’inspirer de ces deux mouvements, en jouant sur la lumière, la forme et l’émotion pour créer des œuvres qui transcendent la réalité tangible.
L’avènement du numérique dans les années 2000 a largement contribué à l’évolution artistique de ce mouvement en offrant au photographe la possibilité de multiplier les prises de vues sans incidence notoire financière et technique et avec la possibilité de travailler sur les prises de vues avec une démarche instantanée (sur le terrain) et non en post traitement afin d’ajuster les différents réglages.
Les œuvres présentées ci-dessous ont été obtenues en composant directement l’image à la prise de vue qu’elles soient obtenue par la technique ICM (Mouvement Intentionnel de l’Appareil) ou par superposition (Surimpression). L’utilisation des logiciels de retouche ne servant qu’au recadrage quand nécessaire et à l’ajustement des couleurs et du grain.
En résumé, bien que né dans la peinture, l’Impressionnisme et le Post-Impressionnisme ont trouvé un écho en photographie, où ils ont permis aux photographes de s’émanciper des contraintes techniques et de s’aventurer dans des explorations artistiques plus libres et émotionnelles.
8.1. L’Impressionnisme représente le caractère éphémère de la lumière.
